Disclaimer：這些翻譯都是我空閒時邊讀邊紀錄的結果，閒暇時間有限，所以無法一次整部文章都翻好，如果你等不及，請直接到這裡下載並閱讀全文。
製作一個鏡頭裡的動畫 (Making a Scene)
你怎麼知道何時可以停止計畫階段，然後開始製作動畫呢？
我堅信工作流程對一個成功動畫師的重要性，通常我花在一個鏡頭的計畫階段也會因為這個鏡頭的內容以及難度而定，較困難或是有許多人物說話的鏡頭都需要較多的時間計畫，你得要知道如何用表演去引導觀眾的視線，而單人的鏡頭就比較單純，你可以花比較多時間在人物的表演上面，如果一個鏡頭需要拍攝參考影片，我通常就會保留至少一天的時間給計畫階段，另外也會畫小圖作參考，記住要在計畫的階段多花些時間嘗試錯誤，所以大問題就不會在真正製作動畫的時候出現。
要是原本設想的表演行不通的話，也不要怕重新製作粗略的動畫(blocking animation)，或是重新畫那些計畫的小圖，所以怎麼知道何時可以停止計畫階段，然後開始製作動畫呢？當然就是你有了計畫，就可以開始作動畫了，聽起來像廢話？事實上不見得，總之，不要沒有計畫就開始作動畫。
在計畫階段你是如何蒐集參考影片的？
好問題，不過這因人而異，有些人自己拍攝參考影片，有些人則從不同來源蒐集影片，不過重點是，參考影片是當作參考用的，不要只是單純複製，這樣會變得跟同描(rotoscoping)一樣，而被真人的表演限制住。
要是分析這些影片，你會觀察到許多細微的表演或是重心的變化，這些就是你可以強調或是發揮的地方，另外，慢動作分析這些影片時你會發現人的身體是非常有彈性，你會在這個過程中學到許多東西，所以我強烈建議你們拍攝參考影片。
要是你在作有對話的鏡頭，拍攝參考影片時先試著對嘴表演，不過之後還是要自己說出人物的台詞，你會發覺表演會因此改變了，不用怕，多拍攝不同的表演，你可能會對這段的某個pose很滿意，不過也喜歡另一段的其他pose，沒關係，那就將它們組合起來，總之，拍攝參考影片沒有所謂正確的方式，只要你的方式是有趣的，這樣你在分析參考影片時才不會太無聊。
一個鏡頭的主要目地是什麼？
動畫是透過動態來表現的一種敘述，一位畫家用一張圖來表現他的想法，故事，概念，或是情緒，動畫師也是一樣，不過用的不是顏料或是畫筆，而是用姿勢，動作的原則，還有最重要的，自身的經驗與觀察去傳達一個概念，假如我在作一個30個鏡頭組成的段落裡其中一個鏡頭的話，那評斷我做的東西好不好的標準，應該是這個鏡頭是否能夠講清楚這個故事，假如我這個微不足道的鏡頭可以讓觀眾順利地理解整個故事線，而不會突然被動畫的真實性與品質干擾而轉移焦點，那麼就算是成功地作到了我應該做的。
一個敘述有可能像是物理動態，像是一拳，掉落，或是跳躍這樣簡單清楚，不過也有可能像是傳達同情，誠意，復仇這樣的複雜情緒般抽象，不管這個敘述要傳達的是啥，動畫師的責任是在這個鏡頭有限的時間內將這個概念的中心意義說清楚，假如有人要你在一個鏡頭內作出一個出拳的動作，你首先要問的應該是，為什麼，為什麼這個人要出拳，這是個意外嗎，有可能他滑一跤然後伸手保持平衡結果意外打到旁邊的人，或是也有可能他老婆跟人睡，所以他生氣地出拳打那個人，不管原因是啥，當你做一段動畫時，一定要知道，也一定要先知道這個動作背後的動機，目的，以及意圖，還有原因等等。
你一定要知道這個動作在整部影片中的意義為何，這個鏡頭前後有什麼東西，你一定要看看故事片(story reel)，讀讀劇本，分析一下故事版，跟其他參與這個段落的動畫師聊一聊，然後聽聽你的總監跟你解釋這個鏡頭的目的。
什麼決定一個鏡頭的長度呢？
問題：啥決定一個鏡頭(或是電影)的長度呢？是動畫嗎？還是對話？一位電影導演如何知道一部電影會多長呢？
這是個非常普遍的問題，通常一個鏡頭的長度由說故事的要求以及這部影片的風格兩者綜合而成，一般說來，由導演以及剪輯師決定一個段落該有多長(一個段落(sequence)，或是scene，通常由更短的鏡頭(shots)，組合而成，一個鏡頭(shot)則是從一個剪輯點(cut)到另一個剪輯點中間的部分)(譯註一)。
長度的決定取決於故事是否能夠在這短時間內說清楚，而不會過長讓人覺得無趣，通常動畫師作動畫前，之前的部門就會將長度界定清楚，不過偶爾動畫師的動畫也會影響到一個鏡頭的長度，有時候你可能作出一段非常棒的動畫，導演因此改變他的原始想法，然後加更多格給你發揮，不過通常他們都會跟你說你有幾格可以做，身為動畫師的工作之一則是想出有創意的方式讓動畫可以在被給予的格數內完成。
譯註一：動畫製作中，一部影片由數個sequence組成，一個sequence由數個scene組成，scene在這等同於一個shot或是一個take，這是跟真人電影或是劇場名稱上用法不同的地方。
什麼是計畫一個鏡頭最好的方式呢？
我不知道有沒有一個"最好的"方式，不過我可以提供一些我這一路走來學到的東西讓你參考：
1.知道你的鏡頭在整個故事中的位置，假如你沒法見到整部影片的樣子，至少也要問清楚這個鏡頭前後有啥。
2.搞清楚導演要啥(理想狀況是從導演的啟動會議(launch)或是你的總監身上得到)。
3.看一下故事版，然後分析一下上面的人物姿勢，這些姿勢或是構圖對說故事都非常有幫助，所以確定你有花時間研究一下這個鏡頭的重要性，然後用你的動畫將故事說得更好。
4.假如你的鏡頭沒有故事版，那麼你自己畫一些小圖，這些跟說故事有關的小圖也可以之後成為你動畫的關鍵畫面(key poses)。
5.聽鏡頭的音軌，將字句寫下來，同時也用音節標註的方式寫下來，特別注意那些細微的地方，注意韻律以及強調的地方，注意呼吸以及喜劇暫停(pregnant pauses)，將這些重點都記下來。
6.自己表演一下這個鏡頭，嘗試找出用最簡單也是最有娛樂效果的表演方式，或是請朋友幫你演，他們或許有你沒有想到的不同想法或是姿態。
7.錄下自己的表演。
8.從那些動作的極張姿勢(extreme poses)畫下一些小圖。
9.想想怎麼讓這些小圖更被強調，有更好的剪影(silhouette)以及更好的動作線(line of action)。
10.開始作出大概的關鍵張，並享受製作動畫的樂趣。
待續...
No comments:
Post a Comment